Der weltbekannte Dramatiker Joshua Sobol hat einen bewegenden Familienroman geschrieben, der uns den Nahen Osten besser verstehen lässt. Text: Helmut Schneider
Der Welterfolg des 1939 in Tel Aviv als Sohn osteuropäischer Einwanderer geborenen Schriftsteller Joshua Sobol ist eng mit Wien verknüpft. Berühmt wurde er nämlich 1983 mit seinem Stück „Weiningers Nacht“ (Originaltitel: The Soul of a Jew), in dem er die letzten Minuten des an seinem Judentum und Frauenhass leidenden Selbstmörders Otto Weininger auf die Bühne brachte. Paulus Manker spielte diese Rolle zuerst in Hamburg, ehe er das Stück auch in Wien inszenierte. Die Zusammenarbeit der beiden mündete dann in dem noch größeren Erfolg „Alma − A Show Biz ans Ende“ über das Leben von Alma Mahler-Werfel, das seit 1996 an verschiedenen Orten immer wieder neu aufgeführt wird.
Joshua Sobol ist eng mit Wien verknüpft.
Sobol veröffentlicht seit 2001 auch Romane, sein jetziger „Der große Wind der Zeit“ (Luchterhand) ist aber aufgrund seiner Konzeption – eine Zeitreise mit vier Generationen einer Familie – als auch seines Umfangs – 530 Seiten – etwas Besonderes. Im Zentrum stehen zwei Frauen, nämlich die junge Armee-Verhörspezialistin Libby und ihre Urgroßmutter Eva, die als eine der ersten Siedler über Wien nach Israel gekommen war. Libby kann ihren Job nicht weitermachen, weil sie die immer gleichen Folgen der von ihr äußerst geschickt erreichten Geständnisse – „Haft. Hauszerstörung. Vergeltungsanschlag. Untersuchungshaft. Verhör. Prozess. Hauszerstörung“ – nicht mehr erträgt. Außerdem blitzt da plötzlich bei ihrem letzten Verhöropfer – einem in England studierenden Palästinenser – so etwas wie Zuneigung auf. Nach der Kündigung fährt sie in den Kibbuz zu ihrem Großvater, der allerdings gerade mit seiner Harley die Berge Israels durchpflügt. Sie findet aber das Tagebuch ihrer Urgroßmutter Eva und schon tauchen wir ein in der Siedlerbewegung der 30er-Jahre, als noch alles offen und möglich schien. Eva nützt alle Freiheiten im Kibbuz aus, ohne sich vor der harten Arbeit zu scheuen. Sie hält Beziehungen zu mehreren Männern und startet zwischendurch noch einmal eine Karriere als Tänzerin in Berlin. Ohne Scheu lässt sie sich auch mit Nazigrößen ein, verkehrt in der Clique von Bertolt Brecht und hat großen Erfolg auf der Bühne. In Wirklichkeit will sie in Erfahrung bringen, was da – vor allem für Juden – noch zu erwarten ist. Ihre präzisen Warnungen vor dem drohenden Unheil schlägt die eigene Familie in Wien freilich in den Wind.
Sobol hat freilich nicht mit weiterem Personal gespart. Evas Nachfahren werden Kriegshelden, mehr oder minder erfolgreich in diversen Berufen und einer will sogar Ministerpräsident werden, womit das Spiel inklusive Korruption und Erpressung losgeht. Sobols Kunst besteht darin, seine Figuren mit wenig Aufwand plastisch erscheinen zu lassen. Ein Computergenie wird in der Firma, die er selbst mit aufgebaut hat, gekündigt und sucht jetzt Verbündete gegen den Terror von 1 und 0, die minderjährige Tochter des Politikers schläft aus Langeweile mit dem Konkurrenten ihres Vaters und Libbys Großvater wird durch den Verkauf der Kibbuz-Betriebe steinreich – ohne sich freilich darum zu scheren. Natürlich ist das alles wohl eher die jüdische Sicht der Geschichte – obwohl Sobol und die meisten seiner Figuren immer wieder Verständnis für die Palästinenser zeigen. Opfer sind auf beiden Seiten zu beklagen, Straßensperren und gefährliche Situationen allgegenwärtig und alle wissen nur zu gut, dass sich so schnell nichts ändern wird. Trotzdem bekommt man als Leser einen ganz guten Eindruck von diesem an Konflikten reichen Gebiet im Nahen Osten in dem gerade wieder ein Krieg auszubrechen droht.
August Richters neuer Roman „August“ ist eine Zustandsbeschreibung unserer westlichen Welt anhand zweier Paare. Text: Helmut Schneider
Ein deutsches Paar, das es in Amerika geschafft hat: Richard ist vom Rave-Veranstalter in Berlin zum Immobilienhändler in New York geworden, seine Frau Stefanie war früher Fernsehmoderatorin und hat jetzt jede Menge Zeit, sich um Globuli und Ernährungspläne zu kümmern. Zu Gast in deren Haus mit Pool am Strand von Long Island ist für einen lange August Richards bester Freund Alec, ein Kalifornier, der lange in Deutschland gelebt hat und jetzt mit seiner aus Chemnitz stammenden Frau und Ärztin Vera als Intellektueller mit Buchprojekt in Brooklyn lebt. Ein Leben zwischen Strand, Pool und der Lobsterbude mit viel Gelegenheit zu auch kontroversen Gesprächen, die freilich immer vor der Schmerzgrenze stoppen – man kennt sich schließlich schon ewig. Richard spielt mit dickem Auto und lockerer Geldbörse den Muster-Amerikaner, Alec den europäischen Philosophen, beide wissen nur zu gut, dass sie dabei nur Rollenklischees bedienen. Quasi als Katalysatoren dienen ein von der Hummerbar wegengagiertes Kindermädchen sowie der Guru des Viertels – originellerweise ein ehemaliger Marketingmann aus Wien. Letzterer hilft Stephanie, sich ihrem „Schmerzkörper“ zu stellen und die Büsche im Garten als Götter zu erkennen – wenn er nicht gerade seine jungen Anhängerinnen flachlegt.
Peter Richter lebte lange Jahre als Kulturkorrespondent der Süddeutschen Zeitung in New York und schrieb schon zahlreiche Sachbücher und Romane – unter anderem das Wendebuch „89/90“ mit dem er für den Deutschen Buchpreis nominiert war. Richter kennt also die amerikanischen Befindlichkeiten sehr gut. Witzig ist in „August“ (erschienen bei Hanser) aber wie er die nur zum Teil gelungene Aneignung der in New York lebenden Deutschen beschreibt. Vera weiß etwa noch immer nicht, dass eine bei der Verabschiedung ausgesprochene Einladung zum Abendessen auf einer Party mitnichten eine Aufforderung bedeutet, einen Termin auszumachen, sondern genau das Gegenteil bedeutet. Richard stellt überraschend fest, dass sich der Guru nicht nur mit Esoterik, sondern auch mit Musecle Cars auskennt und einen Tesla fährt.
Und natürlich bröckeln nach und nach die Fassaden aller Protagonisten. Richard hat zwischenzeitlich arge Finanzprobleme und flüchtet vor der eigentlichen Besitzerin seiner Protzvilla, Stefanie sieht zwischen Yoga und der Kontrolle jedes Bissens auf Bioqualität und Nährwert ihre Ehe bröckeln, Alec kommt mit seinem Buchprojekt, in dem er nichts Weniger als unser aller Leiden am Kapitalismus beschreiben will, natürlich niemals auf einen grünen Zweig und Vera ist frustriert in ihrer Rolle als alleinverdienende Mutter. Den Sommer beendet Richter mit einem großen Wums auf einer spirituellen Party, auf der der Guru Großes ankündigt und alle mit pflanzlichen Drogen high macht. Mehr sei aber nicht verraten.
Als die Talking Heads bei Andy Wahrhol vorbeischauten. Durch die wilden 70er-Jahre in New York – „Dive“, die Tagebücher des Künstlers Duncan Hannah. Text: Helmut Schneider
Ein großer Rausch auf 550 Seiten ohne Gefahr eines Katers. Das sind die jetzt auf Deutsch im Rowohlt Verlag erschienenen Tagebücher von Duncan Hannah. Wir erleben wie der 18-jährige aus der Provinz nach der Highschool von Minneapolis nach New York aufbricht, um dort am Bard College Malerei zu studieren. Mit wenig Geld, aber mit immerhin halbwegs gut verdienenden Eltern im Hintergrund, erlebt er die Szene der Stadt. Aber Geld war damals noch nicht unbedingt nötig, die Mieten für die allerdings kakerlakenverseuchten heruntergekommenen Wohnungen sind billig, wenn es eng wird, findet sich immer ein Freund, den man anpumpen kann. Und Duncans Eintrittskarte ist sowieso gratis – er sieht unverschämt gut aus und passt genau in den Zeitgeist. Einzig, dass er als Hetero andauernd Schwule abwimmeln muss, nervt ihn bisweilen.
Rückblickend gesehen ist es trotzdem ein Wunder, dass er das Jahrzehnt nicht nur überlebt hat, sondern sogar seinen künstlerischen Durchbruch schaffte. Denn Duncan lässt kaum etwas aus, ist fast immer betrunken – Blackouts inklusive – nimmt Drogen (einzig von Heroin lässt er die Finger) und scheut auch vor gefährlichen Vierteln nicht zurück. Das New York der 70er war ja ebenso spannend wie kaputt, mit vielen kreativen Möglichkeiten und ebenso vielen Fallen. Duncan kennt alle in der Szene – von Patti Smith bis zu Debbie Harry oder Bill Evans und sein Idol David Bowie, von Andy Warhol bis zu David Hockney. Viele sind noch unbekannt. Als er bei Keith Haring ins Atelier kommt und seine Zeichnungen von Hunden und Babys ansieht, notiert er „Der arme Kerl hat keine Chance, dachte ich“. Und das erste, was ihn Warhol fragt ist, ob seine Eltern reich genug wären, um ein Porträt bei ihm in Auftrag zu geben.
Fast jeden Abend ist er bei einer Party oder einem Rock-Konzert. Die meisten Musiker gehen mit ihm auf Sauftour. Mit Debbie Harry (Blondie) dreht er einen irren Underground-Film und die Talking Heads lotst er in Warholds Factory. Seine Freundinnen leben ebenso grenzwertig wie er – die eine verdienst sich ihr Geld als Stripperin, die andere als Domina – alles ganz normal damals. Am Ende erleben wir, wie eine Ära zu Ende geht. Die Gentrifizierung kommt über die Stadt, die Reichen kaufen sich in die Künstlervierteln ein und AIDS macht mit der freien Liebe kurzen Prozess. Hannahs Buch ist aber auch so etwas wie ein Entwicklungsroman, denn trotz Dauerrausch weiß Duncan instinktiv, dass er nur als Künstler sein Leben in den Griff bekommen kann. Erste Ausstellungen bringen Erfolge. Ein wunderbares Zeitdokument!
Der US-Amerikaner John Wray ist dank seiner österreichischen Mutter zweisprachig aufgewachsen. Der Kurzgeschichtenband „Madrigal“ ist nun das erste Buch, das er in Deutsch geschrieben hat. Am 21. Mai liest er bei „Rund um die Burg“.
Autor John Wray (der in Wirklichkeit Henderson heißt) wuchs als Sohn eines US-Onkologen und einer in den 60er-Jahren ausgewanderten österreichischen Onkologin in Buffalo auf und begann ein Biologiestudium am Oberlin College. Das war aber nicht so seins, zeitweise spielte er in einer Rockband. Für seinen ersten Roman „The Right Hand of Sleep“ bekam er 2001 den Nachwuchsförderpreis Whiting Award. Anlässlich der Recherche für den Roman „Canaan’s Tongue“, der einen Stoff aus Mark Twains Leben auf dem Mississippi enthält, fuhr er 2005 mit einem Floß 600 Meilen auf dem Mississippi River. 2010 war Wray Fellow der American Academy in Berlin.
Wray hält sich zeitweilig auch bei Verwandten mütterlicherseits in Friesach auf. Er bewohnt in Brooklyn ein selbstrenoviertes Brownstone-Haus und hat einige Schreibzimmer an Schriftsteller vermietet. 2019 erregte sein Roman „Gotteskind“ Aufsehen, in dem er die Geschichte eines kalifornischen Mädchens erzählt, das mit ihrem Freund für die Taliban kämpfen will und sich dafür als Mann verkleiden muss. Ein Roman mit einem wahren Hintergrund.
Erzählband In dem jetzt erschienenen schmalen Erzählband „Madrigal“ finden sich 8 Stories, in denen es um irgendwie „gestörte“ Männer geht – nur in der Titelgeschichte steht eine Schriftstellerin mit Schreibblockade im Mittelpunkt. In einem Interview erklärt Wray die Geschichten hätten die „Logik eines Alptraums“. Mein Lieblingstext ist „Trotzhaus“, in dem ein Architekt in Ruhestand den Nachbarn und vor allem seinen Sohn ein unglaublich hässliches Gebäude in einem bunten Stilmix vor die Fenster stellt, das nicht einmal eine Tür besitzt. In „Sieh das Licht“ erzählt er ein amerikanisches Leben beginnend als Baby bis zum Finale – natürlich eine Gewalttat als Attentäter auf nur 15 Seiten.
John Wray wird am 21. Mai um 17.30 aus „Madrigal“ lesen.
Das internationale Open Air Kurzfilmfestival dotdotdot stellt ab sofort Kurzfilme aus sechs Festivaljahren zum kostenlosen Streaming auf ihre Website dotdotdot.at. Text: Helmut Schneider
Die rund 800 Kurzfilme aus sechs dotdotdot-Festivaljahren können ab sofort in einer umfassenden Filmdatenbank nachgeschlagen werden. Zusätzlich sind rund 50 Kürzestfilme und Clips aus den kuratierten Vorfilm-Programmen als Bonus Tracks zu genießen.
Das Programmarchiv gibt Einblick in 142 kuratierte Kurzfilmprogramme: Von spannenden Personalen über vielfältige Programmschwerpunkte bis zum Kinderfilmfestival dotdotdot 4plus. dotdotdot begeistert jährlich mit handverlesener Kuratierung, davon kann man sich nun auch online überzeugen.
Festivalleiterin Lisa Mai: »Wir freuen uns sehr, auf diese Weise den zahlreichen Filmschaffenden, die ihre Perspektive auf gegenwärtige gesellschaftliche Fragestellungen mit uns teilen und uns mit ihren Arbeiten wertvolle Impulse für Gespräche und Handlungen liefern, nachhaltig Sichtbarkeit zu verleihen.«
Vom Alltäglichen ins Besondere führen etwa die handgezeichneten Animationsfilme von Edith Stauber, der 2019 eine Personale gewidmet war.
Das internationale Open Air Kurzfilmfestival dotdotdot will heuer ab 25. Juli seine 12. Ausgabe in Wien feiern.
„Über Menschen“ von Juli Zeh ist nicht nur der erste interessante Corona-Roman, sondern vor allem eine Auseinandersetzung mit der Tatsache, dass auf dem Land Rechtspopulisten als einzige Alternative erscheinen. Text: Helmut Schneider
Die 46jährige Juli Zeh ist spätestens nach ihrem 2016 erschienenen Dorfroman „Unterleuten“ die erfolgreichste Schriftstellerin unseres deutschen Nachbarn. Der Bestseller wurde sogar vom ZDF verfilmt. Jetzt erschien mit „Über Menschen“ ein Roman, der aufgrund des Settings – wieder sind wir in der brandenburgischen Provinz in einem fiktiven Dorf – wie eine Fortsetzung wirkt. Doch statt wie in „Unterleuten“ aus der Perspektive vieler zu erzählen, erleben wir diesmal die natürlich nicht konfliktfreie Assimilation einer jungen Werbetexterin in einer Dorfgemeinschaft. Und es ist die Geschichte einer Art Freundschaft eben dieser Berlinerin Dora, die mitten in der Coronakrise in ein altes Haus am Land zieht, und dem sich selbst als „Dorfnazi“ vorstellenden, kahlrasierten Nachbarn Gote. Zeh hat dabei viel riskiert, denn wie kann es glaubhaft erscheinen, dass eine urbane, linksliberale, junge Frau Sympathie für einen älteren Mann entwickeln kann, der mit bekannten AfD-Aktivisten nach viel Bier und Schnaps das Hort-Wessel-Lied singt und eine Bewährungsstrafe wegen Körperverletzung ausgefasst hat? Aber Juli Zeh hat dabei ein Vorteil, den andere Schriftsteller nicht haben, sie wohnt nämlich schon seit einigen Jahren ebendort in der Provinz, in Brandenburg. Sie erlebt die Wut ihrer Nachbarn darüber, dass sich die Politik um ihre Bedürfnisse nicht kümmert, aus nächster Nähe mit. Und sie lässt das ihre Dora Schritt für Schritt lernen und vor allem auch erfahren wie es so ist, wenn die Busstation weit entfernt ist und nur zweimal am Tag ein Bus fährt – in einem Dorf, in dem es keine Einkaufsmöglichkeiten gibt.
Köstlich sind aber auch die Szenen mit Doras Freund Robert im ersten Drittel des Buchs noch in Berlin. Der klimabewegte Journalist reagiert fast mit Freude auf die Pandemie, hält sich panisch an alle Vorschriften und verbietet Dora schließlich sogar längere Spaziergänge mit ihrem Hund. Corona ist für ihn und Seinesgleichen so etwas wie die gerechte Strafe für die Klimasünder. Und plötzlich lernen die gestressten Städter: „Echte Freizeit ist der Horror.“
Im Dorf gehen die Uhren natürlich anders. Und langsam stellt sich heraus, dass die Menschen auf dem Land komplexer sind als von der Hauptstadt aus gesehen. Der Nazinachbar Gote zimmert Dora ungefragt ein Bett und schenkt ihr Sesseln – einfach weil sie das nicht hat und fährt mit ihr einkaufen oder raucht eine Zigarette mit ihr zwischen den Grundstücken. Und bald schon freundet sich Dora mit Gotes kleinen Tochter Franzi an, die von der Mutter wegen Corona beim natürlich geschiedenen Vater abgegeben worden ist.
Juli Zeh gelingt es, Menschen am Land zu beschreiben und Doras Verwandlung in eine sogar spannende Handlung zu setzen. Vielleicht ist sie manchmal sehr nahe am Klischee, aber es ist sicher nicht leicht, sich ohne die übliche Pose des Besserwissenden mit Rechtsextremen auseinander zu setzen und sich dabei auch nicht vor Gefühlen zu fürchten. Die Autorin macht das, was andere nur fordern. „Wir müssen die Sorgen der Menschen ernst nehmen“ ist schließlich die größte Lüge fast aller Politiker.
In einer nahe Zukunft werden Ehen nicht im Himmel, sondern mittels Algorithmen geschlossen – jedenfalls in der neuen Netflix-Serie „The One“ Foto: Netflix/Robert Viglasky
Klingt das nicht perfekt: Statt mühsam einen Partner zu suchen und sich vielleicht lange (oder sogar dauerhaft) mit langweiligen Dates, schlechtem Sex oder Beziehungsknatsch herumzuschlagen, reicht die Einsendung einer DNA-Probe und der Algorithmus sucht für dich das perfekte Match. In der neuen Netflix-Serie „The One“ wird das gerade Realität. Und es zeigt sich, dass dieser Traum von genetisch garantierter Zweisamkeit enorm viel gesellschaftliche Sprengkraft birgt. Was etwa, wenn ein Ehepartner plötzlich aus Neugierde wissen will, ob er das Match für den oder die andere ist?
Damit das Ganze aber noch spannender wird, haben die britischen Serienmacher auch noch eine echte Krimihandlung eingebaut. Am Beginn der „The One“-Firma steht ein Datenklau und sogar ein Mord. Eine Kommissarin ermittelt bereits – zusätzliche Dramatik verschafft der Umstand, dass sie privat ebenfalls die Dienste der Matcher in Anspruch nimmt. Die Hauptrolle der Firmengründerin und charismatischen Propagandistin von „The One“ namens Rebecca übernahm in der neuen Netflix-Serie Hannah Ware, die sich bisher vor allem als Emma Kane in der Polit-Drama-Serie „Boss“ einen gewissen Bekanntheitsgrad erarbeitet hat. Auch die meisten anderen Rollen sind gut besetzt. Die Idee der Serie ist jedenfalls nicht schlecht und auch anständig entwickelt, auch wenn die Handlung mit der Zeit etwas vorhersehbar wird. Noch weiß man auch nicht, ob es nach den 8 Folgen eine Fortsetzung geben wird.
Vicki Baum war in der Weimarer Zeit eine Bestsellerautorin – „Menschen im Hotel“, das bekannteste Buch der Wienerin, ist aber auch heute noch unbedingt lesenswert. Text: Helmut Schneider / Foto: Max Fenichel
Manchmal bedarf es eines Zufalls, damit man einen Roman liest, den man immer schon im Fokus hatte. Als ich kürzlich meine Wohnung verlies, fand ich am Fensterbrett beim Ausgang die Taschenbuchausgabe von Vicki Baums Roman „Menschen im Hotel“. In unserem Haus ist es üblich Dinge, die zu schade zum Wegwerfen sind, dort abzulegen – ich habe dort auch schon unzählige Bücher zur freien Entnahme platziert. Ein Wink des Schicksals sozusagen, denn Vicki Baum war mir als schillernde Persönlichkeit der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wohl bewusst, gelesen hatte ich allerdings noch nie etwas von ihr, galt sie doch immer als sogenannte Unterhaltungsschriftstellerin. Ein blöder Ausdruck sowieso, denn gerade gute Literatur ist immer Unterhaltung. Nach ein paar Seiten war aber ohnehin klar: Vicki Baum ist eine exzellente und höchst raffinierte Erzählerin. Sie hat das in diesem Roman von 1929 perfektioniert, was Autoren und Filmemacher bis heute praktizieren. Spannung aufbauen und dann – im entscheidenden Moment – zum nächsten Erzählstrang springen und so weiter. Cliffhanger nennt man das beim Film. Soweit mir bekannt, war das damals freilich in Hollywood noch längst nicht üblich.
Von Wien nach Hollywood Hollywood ist auch ein gutes Stichwort, denn dorthin verschlug es die Wienerin nach vielen Jahren in Deutschland letztendlich, wenn auch nicht ganz freiwillig. Vicki Baum hieß eigentlich Hedwig Baum und wurde 1888 auf der Wieden in Wien als Tochter eines jüdischen Regierungsbeamten geboren. Sie besuchte das Pädagogium und ließ sich von 1898 bis 1904 zur Harfenistin am Konservatorium der Gesellschaft der Musikfreunde ausbilden. Nach einem Engagement im Symphonieorchester des Wiener Konzertvereins kam sie 1913 als Harfenistin nach Darmstadt. 1916 heiratete sie den Dirigenten Richard Lert und ab 1919 veröffentlichte sie erste Bücher. Ihr endgültiger Durchbruch war dann 1929 ihr Roman „Menschen im Hotel“, den sie selbst auch dramatisierte und der schließlich sogar am Broadway lief ehe er in Starbesetzung (Greta Garbo und Joan Crawford) verfilmt wurde. 1931 übersiedelte sie selbst in die USA, zumal ihre Bücher von den Nazis stark angefeindet und nach der Machtergreifung Hitlers sogar verbrannt wurden. 1949 bereiste Vicki Baum Europa: Portugal, Frankreich, Italien, Schweiz und Belgien, nicht aber Deutschland und Österreich. Sie verstarb 1960 in Los Angeles. Ihre zahlreichen Romane, die oft verfilmt und in mehrere Sprachen übersetzt wurden, werden teilweise heute noch verlegt. Menschen im Hotel Die spannendste Figur in diesem Roman, der in einem Berliner Nobelhotel spielt, ist sicher die des todkranken Unterbuchhalters Kringelein, der vor seinem baldigen Ende noch einmal richtig leben will und dabei dort absteigt, wo sein Chef, Generaldirektor Preysing, immer zu nächtigen pflegt. Er, der sich sein ganzes Leben lang kaum die Kohle leisten konnte, will mit dem bisschen Ersparten vor seinem Tod noch den Duft des Reichtums schnuppern. Weitere Protagonisten sind ein verarmter Graf und Hochstapler, der zum Dieb wird, ein Kriegsveteran mit halben Gesicht (allein weil Baum massiv gegen den Krieg wetterte, war sie den Nazis schon verdächtig), eine Prima Ballerina, die das Abflauen ihrer Karriere erleben muss, besagter Generaldirektor und ein hübsches Berliner Mädel, das aus Not nicht nur Schreibarbeiten, sondern auch sich selbst verkauft. Vicki Baum versteht es, soziale Ungerechtigkeiten erlebbar zu machen, ihre Protagonisten sind nicht einfach schwarz oder weiß gezeichnet, sondern menschlich. Selbst der bluffende Generaldirektor oder der Juwelendieb und Fassadenkletterer haben ihre guten Seiten. „Menschen im Hotel“ mit seiner heute noch gültigen Gesellschafts- und Zivilisationskritik ist nichts Geringeres als ein Romanklassiker, den man immer wieder lesen kann.
Zur Situation des Jazz in Wien am Beispiel des Porgy & Bess – durchwegs subjektive Anmerkungen zu einem globalen musikalischen Phänomen, dessen Wahrnehmung und Entwicklung in Wien etwas anders verlief als in vergleichbaren europäischen Metropolen, schlussendlich aber trotzdem in der Mitte der Gesellschaft angekommen ist. Text: Christoph Huber / Fotos: picturedesk.com; Porgy & Bess
Ich ging 1988 zum Studium nach Wien, auch weil ich aus meinem provinziellen saalfeldnerischen Umfeld ausbrechen wollte. Die Ernüchterung folgte freilich auf dem Fuß. In Saalfelden gab es seit Ende der 1970er-Jahre ein internationales Jazzfestival und regelmäßige Jazzkonzerte im Club. In Wien gab es das „Jazzland“, das sich mit traditionellen Jazzformen wie Dixieland und Swing beschäftigte, und die „Jazzspelunke“, die einstmals eine wichtige Anlaufstelle für zeitgenössische Jazzmusiker war, Anfang der 1990er-Jahre allerdings ihre Pforten schloss. Innovative, zeitgenössische, jazzaffine Konzerte fanden in dieser Zeit nur in homöopathischen Dosen an unterschiedlichen Orten wie im „WUK“, im „Opus One“, im „B-A-C-H“ oder in der „Szene Wien“ statt.
Axel Melhardt im „Jazzland“ in Wien.
AUFBRUCHSSTIMMUNG Das war nicht immer so gewesen: Nach dem Zweiten Weltkrieg gab es, auch aufgrund der Aktivitäten vor allem der amerikanischen Besatzungsmacht, eine Art Aufbruchsstimmung. Es entstanden Clubs wie der „Strohkoffer“, das Vereinslokal des „Wiener Art Clubs“ (eine Künstlervereinigung um Albert Paris Gütersloh mit den „jungen Wilden“ Arnulf Rainer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl). Tagsüber Galerie, des nächtens „Begegnungszone“ für Leute wie H. C. Artmann, Friedrich Gulda oder Joe Zawinul. Interdisziplinär, würde man heute sagen. Die „Adebar“ in der Annagasse war ein Ort des Experiments, und schließlich auch „Fatty’s Saloon“ am Petersplatz, der 1963 schließen musste, 1980 zwar wieder eröffnete, allerdings ohne wirtschaftlichen Erfolg. Fast alle kreativen Musiker verließen Wien: Hans Koller, Joe Zawinul, Attila Zoller, Fritz Pauer, Roland Kovac, Fatty George, um nur einige zu nennen. Sie verließen Wien, weil die Nachkriegssituation kaum innovative Entwicklungen zuließ bzw. kreative Künstler sich in der konservativen Grundstimmung geradezu eingesperrt fühlten. Sie fühlten sich unverstanden und unerwünscht. Bedenkt man, dass nach der Proklamierung der 2. Republik keine ernsthaften Versuche unternommen wurden, vor dem Krieg hinauskomplimentierte Komponisten wie Arnold Schönberg, Ernst Krenek oder Erich Wolfgang Korngold wieder zurückzuholen bzw. nach Wien einzuladen, dann kann man sich diese latente Grundstimmung wohl gut vorstellen. In Paris beispielsweise war die Situation durchaus anders: Die Intellektuellen um Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, Albert Camus, Boris Vian (selbst ein Jazztrompeter!) haben die innovatorische Kraft dieser Musik instinktiv erkannt und als solche wahrgenommen, was dazu führte, dass trotz Sprachschwierigkeiten Musiker wie Miles Davis zum engeren Freundeskreis von Sartre zählten. Etliche amerikanische Musiker ließen sich in den 1950er- und 1960er-Jahren in Paris nieder: Kenny Clarke, Bud Powell, Kenny Drew, Don Byas, Stan Getz, Booker Ervin, Ben Webster, Pony Poindexter oder Johnny Griffin. Auch in Kopenhagen oder Stockholm herrschte ein viel respektvolleres Klima Jazzmusikern gegenüber als in Wien ‒ und natürlich auch ganz andere Verdienstmöglichkeiten.
Fatty George in seinem Saloon am Petersplatz.
ZURÜCK NACH WIEN Eine wichtige integrative Figur, die zur gesellschaftlichen Akzeptanz des Jazz in dieser Stadt beigetragen hat, war Friedrich Gulda, der in den mittleren 1960er-Jahren Jazzwettbewerbe im Konzerthaus ausrichtete, was zum Beispiel Musiker wie der ostdeutsche Pianist Joachim Kühn oder der tschechische Bassist Miroslav Vitouš (der später mit Zawinul Gründungsmitglied der Formation „Weather Report“ war) nutzten, um sich in den Westen abzusetzen und dort ihre internationale Karriere zu starten. Wobei das Wort „gesellschaftliche Akzeptanz“ etwas übertrieben ist. Die Leute liebten Gulda für seine Mozart- und Beethoven-Interpretationen und duldeten bzw. ertrugen die Ausflüge des Meisters in den Jazz. Bezeichnend auch, dass Gulda ausgerechnet im kärntnerischen Viktring die Möglichkeit hatte, die von ihm angestrebte Aufhebung der Grenzen zwischen E- und U-Musik bzw. die Verschmelzung der Klassik mit dem Jazz zu zelebrieren, indem er ab 1973 im Rahmen des Musikforums Konzerte und Workshops ebendort organisierte und abhielt.
Die vom Grazer Posaunisten Erich Kleinschuster gegründete und bis zur Auflösung 1981 geleitete ORF Big Band veranlasste Musiker wie den Trompeter Art Farmer oder den Bassisten Jimmy Woode, nach Wien zu übersiedeln, was der Stadt zumindest ein Minimum von internationalem Flair verlieh. Und dann ist da natürlich das vom Schweizer Komponisten mathias rüegg Ende der 1970er-Jahre gegründete und bis 2010 bestehende „Vienna Art Orchestra“ zu nennen, eine international besetzte Formation, die auch international reüssierte und die für eine musikalische Frischzellenkur sorgte und Leute wie Harry Sokal oder Wolfgang Puschnig hervorbrachte, die wiederum über die Landesgrenzen hinweg Bekanntheit erlangten. Interessanterweise entwickelten sich in den mittleren und späten 1970er- und frühen 1980er-Jahren avancierte Jazz-Aktivitäten außerhalb der Bundeshauptstadt. Viktring wurde bereits erwähnt. Das Jazzfest im burgenländischen Wiesen war ein Vorreiter in Sachen Präsentation von aktuellem Jazz vor einem größeren Publikum. Das Jazzfest Saalfelden war viele Jahre lang so etwas wie ein Trendsetter in Bezug auf innovatorische Projektentwicklungen, und die internationale Avantgarde spielte bei den „Konfrontationen“ in der Jazzgalerie Nickelsdorf oder beim „Kaleidophon“ im oberösterreichischen Ulrichsberg.
Natürlich gab es auch in Wien bemerkenswerte Jazz-Aktivitäten. Miles Davis spielte hier, John Coltrane, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Lionel Hampton, Jimmy Giuffre, Cannonball Adderley und viele mehr. Diese Konzerte waren aber singulär, also nicht in einen kulturellen Gesamtkontext eingebunden. Große Namen spielten in der Stadthalle oder im Konzerthaus, aber halt nur „zu allen heiligen Zeiten“. Erst ab 1991 gab es auch in Wien ein jährliches Jazzfestival. Der heimischen Szene blieb nur die Möglichkeit, in mehr oder weniger geeigneten alternativen Räumlichkeiten auf Eintritt zu spielen, wenn der für diese Räumlichkeiten gastronomisch Verantwortliche dies halt zuließ.
Erich Kleinschuster bei einer Probe mit dem ORF Big Band Orchester.
DIE GRÜNDUNG DES PORGY & BESS Aus diesem Hintergrund heraus wurde 1993 das Porgy & Bess gegründet. Es gab damals einfach keine professionelle kontinuierliche Betätigungsmöglichkeit für zeit-genössische Jazzmusiker mit adäquater Bezahlung! Es fehlte an einer Spielstätte mit Werkstattcharakter, einem Ort des Austausches und des Dialogs. Im September dieses Jahres realisierte der schon erwähnte mathias rüegg gemeinsam mit Gabriele Mazic eine Serie von Konzerten österreichischer und Schweizer Musiker in der ehemaligen Fledermaus-Bar in der Spiegelgasse als sogenannten „Jazzherbst“ und nannte das Lokal „Porgy & Bess“. Hauptsächlich unterstützt wurde dieser Konzertreigen von der schweizerischen Urheberrechtsgesellschaft Pro Helvetia. Im Laufe dieser Serie reifte natürlich die Idee, nach dem „Jazzherbst“ einen kontinuierlichen Clubbetrieb zu etablieren. Da fand rüegg mit dem in Wien lebenden deutschen Musiker und Veranstalter (z. B.: „Kulturspektakel“) Renald Deppe und meiner Wenigkeit Mitstreiter, und so wurde im Spätherbst der Verein „Jazz & Musicclub Porgy & Bess“ gegründet. Wir reichten ein Konzept bei der Stadt Wien und beim Bundeskanzleramt ein. Die Kulturpolitik wollte aber den Club nicht so einfach unterstützen, wahrscheinlich auch deswegen, weil sie gar nicht so sehr an einer nachhaltigen Entwicklung in unserem Bereich interessiert war bzw. dem Potenzial der österreichischen Jazzszene überhaupt skeptisch gegenüberstand. Auch gab es bis dahin keinen Jazzclub in Österreich, der öffentliches Geld erhielt. Aber – und das sei positiv vermerkt – die Kulturpolitik ließ mit sich reden!
Porgy & Bess Mitbegründer Christoph Huber.
Es begann ein Pingpong-Spiel: Die Stadt Wien signalisierte, uns unterstützen zu wollen, wenn die Kunstsek-tion des Bundeskanzleramtes dies auch garantiere. Und vice versa. Schlussendlich gewannen wir das Spiel, hauptsächlich weil ein damaliger Kulturberater der Stadträtin Ursula Pasterk meinte, dass das Projekt unterstützt werden sollte, um ein Zeichen zu setzen – und das Porgy & Bess spätestens nach einem Jahr mangels Interesse sowieso zum Scheitern verurteilt sein würde. Da haben sie sich aber geirrt und den sprichwörtlichen Stein ins Rollen gebracht. Ab dem 4. Januar 1994 etablierten wir also unsere Vorstellungen eines modernen Jazzclubs mit täglichem Programm nach unseren inhaltlichen Vorstellungen: mit einem pluralistischen Programmkonzert mit unterschiedlichen musikalischen Schienen, die es auch ermöglichten, dass heimische Musiker mit internationalen Kollegen zusammenarbeiten konnten, im Rahmen einer professionellen Infrastruktur und mit garantierten Gagen. Glücklicherweise stellte sich heraus, dass die Fledermaus-Bar eine exzellente Akustik für verstärkte Musik hatte und es aus unerklärbaren Gründen ausreichte, eine Metalltür zu schließen und somit keine Anrainer lärmtechnisch zu belästigen. Nach einem schwierigen Start (anfangs waren die Konzerte sehr überschaubar besucht) setzte sich unser Konzept aber langsam durch bzw. überzeugte ein interessiertes Publikum. Das Porgy & Bess wurde zum „meeting point“ der Szene und beheimatete die unterschiedlichen musikalischen Lager, die plötzlich miteinander zu kommunizieren begannen. Da fungierte der Club als Katalysator für die Weiterentwicklung der aktuellen heimischen Jazzszene und es trafen sich Musiker aus den unterschiedlichsten Lagern. Ab Herbst 1994 haben wir eine sogenannte MemberCard eingeführt, die es dem Inhaber ermöglicht, alle Konzerte ohne weitere Geldleistung zu besuchen. Mit dieser Karte gelang es uns, dass bei jedem Konzert zumindest eine gewisse Anzahl von Besuchern im Club war, das heißt, dass es kaum mehr leere Konzerte gab. Diese Karten, die limitiert aufgelegt wurden, waren am ersten Tag der Ausgabe ausverkauft, die Interessenten standen bis zum Graben. Dieses System funktioniert übrigens bis heute und dient nachhaltig der Finanzierung des Veranstaltungsbetriebs. Wir erhielten 1994 etwa 30 Prozent des damaligen Gesamtbudgets, exakt je 140.000 Euro von Stadt und Bund für den Jahresbetrieb, wurden aber 1995 um 20 Prozent gekürzt. Diese Summe blieb dann bis vor ein paar Jahren „eingefroren“. Wir hatten in der Spiegelgasse einen fünfjährigen (Sub-)Pachtvertrag, der 1998 auslief. In dieser Zeit organisierten wir circa 1.500 Konzerte mit insgesamt knapp 150.000 Besucher. Das Porgy & Bess konnte sich in diesen Jahren auch international etablieren. Der wesentlichste Akzent in der Entwicklung des Porgy & Bess zu einem der Top-Jazzclubs in Europa war der Umzug in das ehemalige Rondell-Kino in der Riemergasse. Nach einem langen kulturpolitischen Entscheidungsprozess wurde 1998 das vollkommen devastierte Kino dem Porgy & Bess zugesprochen, mit einem Umbaubudget seitens des Bundeskanzleramtes von 1,1 Mio. Euro und seitens der Stadt Wien von knapp 350.000 Euro. Das Gesamtvolumen betrug in etwa 2,3 Mio. Euro. Der Differenzbetrag wurde vom Verein aufgebracht, u. a. auch durch ein großzügiges Sponsoring unserer Bank bzw. durch ein finanzielles Entgegenkommen des Hauseigentümers. Interessant ist die (Kultur-)Geschichte des Hauses, die sich bis Mitte des 19. Jahrhunderts zurückverfolgen lässt. So gründete eine gewisse Helene Odilon, Frau des beliebten Volksschauspielers Girardi, die Kleinkunstbühne „Boccaccio“, ein Name, den das Lokal in den 1950er-Jahren nochmals hatte, als es als Varieté geführt wurde, bevor es dann zum Rondell-Kino wurde, das Ende der 1980er-Jahren Konkurs anmeldete.
Eingang Rondell-Kino um 1995.
NACH DEM UMZUG Das Porgy & Bess eröffnete schließlich am 28. Dezember 2000 seine neuen Pforten in einem eigens für unsere Zwecke adaptierten Raum für knapp 350 Besucher. Wir veränderten nichts an unserer Programm-Philosophie und haben seit fast zwei Jahrzehnten jährliche Besucherzahlen von knapp 80.000. International wird der Club als „role model“ eines modernen Jazzclubs gesehen. Der britische „Guardian“ listet das P&B als einen der zehn besten Jazzclubs Europas, das amerikanische Jazzmagazin „Downbeat“ reiht uns seit Jahren unter die „top venues“. Dieses Jahr erhielten wir den „9th EJN Award for Adventurous Programming“ des „European Jazz Network“. Noch kurz zum aktuellen Budget: 2019 lag das Gesamtbudget bei knapp 1,8 Mio. Euro, wobei knapp 60 Prozent Eintrittseinnahmen inklusive MemberCards sind, etwas weniger als 15 Prozent stammen von der öffentlichen Hand, deutlich mehr als 10 Prozent kommen von privaten Sponsoren, und der Rest sind sonstige Einnahmen, etwa aus der verpachteten Gastronomie, Einschaltungen im Folder etc. Der Eigenleistungsanteil ist also ungewöhnlich hoch. Nebenbei bemerkt beläuft sich der Posten Musikerhonorare auch auf knapp 60 Prozent des Budgets … und das macht uns nicht so schnell wer nach. Abschließend möchte ich betonen, dass das „Randphänomen“ Jazz mittlerweile in der Mitte der Gesellschaft angekommen zu sein scheint. So gibt es in Österreich bereits den dritten Bundespräsidenten, der ein deklarierter Jazzfan ist. Das 20. Jahrhundert brachte zumindest zwei Kunstformen hervor, die es vorher nicht gab, nämlich Jazz und Film. Ich hoffe, dass beide weiter gut gedeihen.
PORGY & BESS Informationen zu Auftritten finden Sie auf: porgy.at
https://wienlive.at/wp-content/uploads/2021/03/Bildschirmfoto-2020-04-15-um-14.31.27-1-300x138.png00wienlive Redaktionhttps://wienlive.at/wp-content/uploads/2021/03/Bildschirmfoto-2020-04-15-um-14.31.27-1-300x138.pngwienlive Redaktion2020-06-05 10:46:152020-06-05 10:46:17Jazz in Wien
Close-Ups, Nachtszenen und lange Einstellungen von unschönen Umgebungen – „The Eddy“ ist eine neue Netflix-Serie, die sich auch für Menschen empfiehlt, die im Grunde keine Serien-Fans sind. Text: Helmut Schneider / Fotos: Lou Faulon/Netflix
Diese neue Netflix-Serie empfiehlt sich auch für Menschen, die keine Serienfans sind. Denn „The Eddy“ – so heißt auch der Jazzclub, der im Zentrum der Handlung steht – ist eher ein langer Independent-Film denn eine typische TV-Show. Auch der Stil und das Film-Design ist ganz anders. Viele Close-Ups, viele Nachtszenen, lange Einstellungen auf die nicht gerade schöne Umgebung des Clubs und vor allem: Viel interessante Musik abseits des Mainstreams. Im Zentrum steht besagter Jazzclub in Paris, nicht im Zentrum, sondern an der Peripherie, der nach dem Mord an einem seiner Eigentümer ums Überleben kämpft. Hauptperson ist der international gefragte Musiker Elliot (André Holland), der plötzlich nicht nur für die Musik des Clubs, sondern auch für dessen Betrieb verantwortlich ist. Und dann kommt da auch noch seine schwer handle-bare, pubertierende Tochter (hinreißend: Amandla Stenberg) aus New York zu ihm und seine Sängerin Maja (Joanna Kulig) droht, einen lukrativen Job im Popbusiness anzunehmen.
Das Drehbuch von Jack Thorne (unter anderem „Shameless“, „Skins“) ist nicht der Grund, sich das anzusehen – der Mord und die Bedrohung durch das organisierte Verbrechen sind nicht gerade originell und der Schluss ein wenig unbefriedigend. Aber: Damien Chazelle (La La Land) ist mit „The Eddy“ eine atmosphärisch dichte Arbeit gelungen, die lange nachwirkt. Wir sehen ein komplett anderes Paris – eine multikulturelle Metropole mit all ihren Problemen – von Drogensucht über Mafia bis zu den prekären Verhältnissen im Kulturbetrieb. Und nicht zuletzt sind die Schauspielerleistungen hervorragend. Die Jazzclubband besteht etwa aus Schauspielern, die musizieren können, und aus Musikern, die schauspielern können. Und die Musik ist so spannend, dass man sich auch den Nachspann anschaut, weil man keine Note versäumen möchte. Noch ein Tipp: Unbedingt die Originalversion (mit Untertiteln) schauen, denn nur so wird verstanden, dass die Protagonisten immer wieder in verschiedenen Sprachen – Englisch, Französisch und Arabisch – wechseln.
„The Eddy“: Eine Netflix-Serie mit grandioser Musik und gelungener Atmosphäre.
